Eine super Chance für alle Designer unter euch bietet wieder einmal der Schweizer Uhrenhersteller Swatch: Die SWATCH ART RULES DESIGN COMPETITION geht in die dritte Runde!

Für die TTR World Snowboard Tour Trophy und die offizielle Swatch Tour Watch wird das Design für 2012/2013 gesucht. Das vorgegebene Thema “Progression & Style” birgt wohl die grösste Herausforderung und fordert kreative Köpfe auf, ein fantasievolles Design zu gestalten und sich Ruhm und Ehre hart zu verdienen.

Wer sein Design nächstes Jahr auf der TTR World Tour Watch sehen möchte, kann sich hier auf der Swatch Art Rules Website registrieren, die Vorlage runterladen und dann – auf die Plätze, fertig, los – so richtig kreativ werden. Die Trophy, eine Statue von 36 cm und 4,5 kg steht für das neue, kreative und ausserordentliche Design zur Verfügung. Im gleichen Design soll die passende Uhr gestaltet werden. Noch vor Mitternacht des 27. Märzes müssen alle Kunstwerke auf die Swatch Website hochgeladen werden. Die Top 3 werden im Mai 2012 zur glamourösen Swatch Art Rules Night nach Los Angeles geladen, können mit anderen Designern, Künstlern und Profiboardern Champagner schlürfen und um die grosse Entscheidung bangen.

Der überglückliche Gewinner der SWATCH ART RULES DESIGN COMPETITION darf dann stolz seine eigens designte Uhr am Arm tragen und sie während den zwei geschenkten Wochen in New York City im Swatch Store an der 5th Avenue bewundern.

Packt diese grosse Chance und präsentiert euer künstlerisches Talent Swatch und der ganzen Welt! Alle weiteren Informationen zur Competition findet ihr direkt auf der Swatch Art Rules Website. Viel Glück!

Eigentlich stehen die üblichen Landkarten kurz vor dem Aussterben, iPhone und Navi sei Dank! Der Schweizer Künstlerin Ursula Hitz sei Dank, dass diese nun ein Revival erleben. Die Dame kreiert typografische Landkarten als Limited Edition in aufwendigen, von Hand produzierten Siebdrucken.

Von New York, Paris und London hat sie bereits schon welche hergestellt und das mit Erfolg. Das Completely London Magazin hat sich bereits ihrer Arbeit gewidmet und nun befindet sie sich in der New Designers Ausstellung in London. Klingt vielversprechend. Spannend klingt übrigens auch ihr neustes Werk – eine typografische Karte von Zürich. Und unsere Stadt kann sich richtig sehen – respektive lesen – lassen.

Weitere Arbeiten findet ihr auf der Website von Ursula Hitz.

Journalist, Veranstalter, Kulturvermittler, Blogger: Alain Bieber studierte Allgemeine Rhetorik, Soziologie und Neuere Deutsche Literatur in Tübingen sowie Politik- und Kommunikationswissenschaft in Paris. Im Jahr 2004 gründete er REBEL:ART – als Verlag und Plattform für Kunst, Kultur und Politik. Damals war REBEL:ART noch ein Printmagazin, die einzige Ausgabe “How to provoke today?” erschien ebenfalls 2004.

Aus REBEL:ART entstand dem Zeitgeist entsprechend ein Blog. Und was für einer: Auf seinem REBEL:ART berichtet Bieber fleissig über die etwas anderen Aktionen aus den Sparten Kultur und Kunst. Ein Besuch lohnt sich allemal. Überdies hält Bieber in seiner Freizeit Vorträge über subversive Strategien, Interventionen im öffentlichen Raum, parasitäre Strategien, Culture Jamming und Street Art. Daneben kuratiert er Ausstellungen und hilft als Jurymitglied aus. So behandeln auch viele der Posts auf REBEL:ART die Nutzung und das Experimentieren mit Kunst im öffentlichen Raum und reichen so von Street Art bis Installations- und Preformance-Kunst.

Noch was: Alain Bieber raucht nach eigenen Angaben zu viel und trinkt gerne Pastis. Er arbeitet als Redakteur für ART – Das Kunstmagazin und schrieb Texte, Artikel und Essays für ART, das ARTE Magazin, artnet, Spiegel Online, Merian, MAX, Neura und, und, und. Heute ist er als Projektleiter von ARTE Creative tätig, eine neue Plattform für Kunst und Kultur im Netz, und lebt in Strasbourg.

Überraschende Ideen und rebellierende Kunst im öffentlichen Raum findet ihr auf seiner Website REBEL:ART.

Riesige glänzende Augen auf vorbeiziehenden Wagons, Dächer, die mit lachenden Gesichtern bedeckt ein neues Stadtbild ergeben. JR’s Plakatkunst ist in der bekannten Street Art-Szene wohl das ausdrucksstärkste Plädoyer für Menschlichkeit und Nähe in einer Welt, die immer mehr zusammenwächst und gleichzeitig immer unübersichtlicher wird.

2007 machte sich der französische Fotograf und Street Artist mit den Porträts von Israelis und Palästinensern, die nebeneinander plakatiert die Mauer von Jerusalem zierten, einen Namen. Man kennt seine riesigen Schwarz-Weiss-Porträts aus den Favelas in Rio, sein Dokumentationsfilm “Womenareheroes” läuft seit Januar in den französischen Kinos.

Für sein neues Projekt ruft er jetzt auf Website des Inside Out Project dazu auf, das eigene Bild hochzuladen. Damit irgendwo auf der Welt das eigene Porträt gigantisch gross auf eine Wand plakatiert werden kann.

Ziel ist die virtuelle Welt, in der kosmopolitische Globalisierung auf einem ganz anderen Stand ist als in der Realität, wieder auf die Strasse zu bringen und dem Ganzen wörtlich ein Gesicht zu geben – wer möchte, gibt seins.

Hier geht’s zur Insied Out Project Website.

Auf den ersten Blick sieht es aus, wie eine aufwendige Club-Dekoration. Doch das, was da an der Decke hängt, soll ein Wolkengebilde darstellen, bestehend aus mehreren dreidimensional gefalteten und zusammengefügten Papierteilen. Genau gesagt, handelt es sich hier um ein modulares Lichtsystem, welches das komplexe Wetterverhalten von Wolken aufzeigt. Klingt das für euch irgendwie nicht nachvollziehbar? War auch für uns nicht ganz einfach, das Kunstprojekt BotoxCloud zu kapieren. Macht nix, in erster Linie bezirzt nun mal die Optik und erst nach längerem Betrachten stellt sich vielleicht die Erkenntnis oder Verständnis des Grundgedankens ein.

Deshalb soll auch die Entstehung von BotoxCloud noch genauer erläutert werden: Die Idee dafür stammt von der belgisch-deutschen Design Agentur SAQ, die hier die Methoden des Design verwendet hat, um ein komplexes Naturschauspiel darzustellen. Sie bezeichnet ihr Werk als eine Art dreidimensionales Jigsaw-Puzzle. Für dieses Puzzle gibt’s allerdings nur zwei Teile, zwei unterschiedliche Papier-Editionen. Individuell zusammengefügt ergeben sie unterschiedliche Wolkenformen und sind  ausserdem so konzipiert, dass sie Licht einfangen und reflektieren können. Wie richtige Wolken eben. Wer’s nicht glaubt, soll’s selbst anschauen gehen. Die Ausstellung findet derzeit im Zirkumflex in Berlin statt und dauert noch bis zum 26. Februar 2011.

Wann: 28. Januar – 26. Februar 2011, täglich 14–19 Uhr
Wo: Zirkumflex, Fontanenstrasse 25, 12049 Berlin

In der kinki Redaktion dreht sich zurzeit alles um den Körper. Wir treten morgens früh um Sieben zur Arbeit an und beginnen den Tag mit Yoga und der Reinigung von Körper und Geist. Tanzen zwischendurch zur Lockerung im Kreis und erküren täglich das spannendste Körperteil der Redaktion. Hauptsächlich dreht sich selbstverständlich der Kosmos im kinki magazine 33 um das Thema Körper. So konnte auch die Installation “Klunk Garden” sofort unser Interesse wecken.

Klunk Garden stellt einen japanischen Steingarten nach, der anstelle von formvollendeten und pflegeleichten Steinen, Körperteile integriert. Vorbild für den Garten des Geitlin Kollektiv war der Ryoanji Garten in Kyoto, einer der berühmtesten Zen Gärten und auch ihr Lieblingsgarten, den sie selbst als Kunstwerk bezeichnen. Da in klassischen Gärten die Steine immer tief eingegraben sind und wie bei einem Eisberg nur eine Spitze aus dem Boden ragt, entschied sich das Kollektiv, die ruhenden Steine durch “eingegrabene” menschliche Körper zu ersetzten.

Besonders ungewöhnlich und bizarr gestaltet sich deshalb die Seitenansicht der Installation, von da sind nämlich die künstlerischen Statisten oder Performer zu entdecken, welche unterhalb der Ebene liegen, knien oder sich verrenken, um einen entblössten Teil ihres Körpers durch die Öffnung in den japanischen Garten zu strecken. Und da menschlich Steine auch mal ermüden, werden die Postitionen und die herausragenden Körperteile gewechselt und ihre Beziehung zueinander verändert, sodass sich immer wieder neue skulpturale Kompositionen ergeben.

Das Werk stammt vom österreichischen Künstlerkollektiv Geitlin und wurde erstmals 2009 in Tokio in der Tomio Koyama Gallery gezeigt. Klunk Garden wurde sogleich als körperliche Attacke auf den Zen Buddhismus interpretiert, da die Körper den Fluss der Wasserlinien und natürlich die Nacktheit an sich das ganze Konzept des landschaftlichen Gartens irritieren. Selbstredend hat sich das Kollektiv, das mit seinen Arbeiten gerne provoziert und Aufsehen erregt, nicht zu den Anschuldigungen geäussert – ist schliesslich Kunst. Und so geniessen wir diese befremdende und doch faszinierende Arbeit auch, denn jeder soll seine eigenen Gedanken dazu spriessen lassen.

Fotos: Kei Okano
Installation: Geitlin

In Mokis Arbeit dreht sich alles um die Frage des Verschwindens: das Untergehen, Auferstehen und Verschmelzen von Menschen, Tieren und Fabelwesen in ihrem natürlichen Umfeld. Zum ersten Mal aufmerksam auf die deutsche Künstlerin wurden wir, als wir ein Moki’sches Wesen, das an die niedlichen Waldgeister aus Prinzessin Mononokoe erinnert, auf dem CD-Cover von Oskar Ohlsen entdeckten. Kurz darauf vergnügten wir uns bereits auf der fantastischen Website von Moki, die spielerisch und fantasievoll zum Entdecken ihrer Arbeiten einlädt.

Die fotorealistische Malerei Mokis gibt es in ihrem ersten monografischen Buch, das gerade bei Gingko Press erschienen ist, zu sehen. Darin werden die banalen, aber umso putzigeren schwarz-weissen Monster von schlafenden Menschen, die in Wasser, Erde oder Baumrinde verschwinden und von detailgetreuen Tieren mit grossen Augen, die mal realistisch, mal fantatisch gemalt sind, ergänzt. Alles verliert sich in der wunderbar geformten Natur, nordischen Landschaften, einsamen Wäldern und berauschenden wilden Wassern.

Möchtet ihr einen entspannenden Blick in dieses fabelhafte Universum voller Grüntöne und schwarz-weissen Malereien werfen? Dann schickt eine Mail mit eurer Postadresse und Betreff “Tür 8: How to Disappear” an adventskalender@kinkimag.ch.

Sind schrullige Fabelwesen nicht so dein Ding? Hier kannst du dir alle Türchen des kinki Adventskalenders 2010 anschauen.

“In Wahrheit ist alles Lüge, nichts ist echt, echt nichts”, “Tri ist ein haptischer Freund in Zeiten der virtuellen Freundschaften”.

So etwa klingt es, wenn zum dreifachen dissonanten Fanfarenstoss geblasen wird, um die erste “tri-publication” anzukünden. Diese widmet sich in ihrer ersten, grossformatigen Ausgabe dem Thema der Dissonanz und spielt sich deshalb mit Wort, Bild und Grafik krumm.

Für das Magazin verantwortlich zeigen sich Samuel Bänziger, Ralf Bruggmann und Simon Schädler, die ihre Schranken überwindenden Ideen von freier Kunst viel besser zu vereinen wissen, als man nach dieser Einführung vielleicht denkt. Den beitragenden Künstlern und Kulturschaffenden aus der Region und dem Rest der Welt werden keine Grenzen gesetzt, sondern DIN A1-Seiten zur freien Verfügung gestellt. In der “issue one, tri-dissonanz” finden sich deshalb die kreativen Welten von Beni Bischof, Salome Oggenfuss und Ralf Bruggmann.

Das Überthema schafft hierbei Gemeinsamkeiten und Querverweise zwischen den künstlerischen Beiträgen und die ungewöhnliche, ansprechende visuelle Präsentation hebt von gewohnten Layouts ab – und vereint. Das Ziel ist denn auch die Vereinigung, alle tri-Publikationen sollen nämlich irgendwann zu einem Buch gebunden werden. Bis es soweit ist, erfreuen wir uns an den “tri-paginalen” Kunstwerken.

“Tri findet die Nadel im Heuhaufen, jedoch nicht den Heuhaufen selbst.”

“Tri darf Ficken sagen, tut es aber nicht, sondern bevorzugt den Ausdruck Kopulieren.”

Die erste Ausgabe “tri-dissonanz” könnt ihr unter order@tri-publications.com bestellen oder beim neu eröffneten Motto Distribution in Zürich kaufen. Desweiteren lohnt sich auch ein Blick auf die tri-pulbications-Webiste. Hier könnt ihr auch gleich facebook-Fans werden.

Kunst oder Politik? Auf jeden Fall erregt die Fotoserie “Stop the Violence”, des in La Chaux-de-Fonds geborenen und in Amerika lebenden Fotografen François Robert Aufsehen. Die Serie zeigt die Ikonografie von Krieg, Religion und Gewalt, welche er mittels arrangierter menschlicher Knochen als Stilleben inszeniert. Obwohl Thematik und Umsetzung irgendwie naheliegend sind, vermögen Bild und Wirkung zu überraschen. Vielleicht, weil die Morbidität des Werks sich der visuellen Ästhetik der feinsäuberlich positionierten Knochen unterliegt.

Erst im zweiten Moment verbindet der Betrachter die Tragweite von Dargestelltem und Darstellenden. Die aufgeladenen Symbole, stellen dar, womit und weshalb gekämpft wird; die menschlichen Knochen sind einerseits künstlerisches Medium und zeigen auf der zweiten Ebene die Konsequenz der dargestellten Objekte, die Kriege verursachen. Weiss auf Schwarz schockieren, berühren und bringen die Fotografien die Kriegsproblematik mit einfacher aber besonders effektiver visueller Umsetzung auf den Punkt. Das nennen wir einen gelungenen Aufruf gegen Krieg und Gewalt.

Weitere Projekte und Fotografien, die komplett andere Seiten des Fotografen offenbaren, sind auf der Website von François Robert ersichtlich.

Bei der folgenden Versteigerung werden künstlerische Kultobjekte par excellence versteigert: Star Wars trifft auf Design Toy, trifft auf Künstler. Für das “Vader Project”, das vor zwei Jahren von Dov Kelemer und Sarah Jo Marks von DKE TOYS ins Leben gerufen wurde, wurden hundert Darth Vader Helme individuell von Künstlern gestaltet. Nachdem die kultigen Objekte, zwischen Design Toy und Kunstwerk, zwei Jahre lang durch zahlreiche Ausstellungen tingelten, werden sie morgen, am 10. Juli, auf Freeman’s Auctioneers versteigert. Teilgenommen haben unter anderem internationale Künstler wie: Gary Baseman, Tim Biskup, Dalek, Ron English, Mike Giant, Huck Gee, Jeremyville, Tokidoki, Mars-1, Joe Ledbetter und so geht es immer weiter.

Star Wars oder Design Toy-Anhänger, die noch nicht über das nötige Kleingeld verfügen, können sich zumindest den Ausstellungskatalog bestellen. Alle Info zum Projekt und die vollständige Künstlerliste gibt es auf der The Vader Project-Website, eine Übersicht über alle angebotenen Helme gibt es hier auf der Freeman’s Auctioneers Website.